IMPACT13 : 5 artistes qui transcendent les frontières de l’encre

Melissa Haviland

Melissa Haviland est une artiste spécialisée dans l’installation et la gravure, vivant et travaillant à Athens, Ohio. Elle a présenté plus de 30 expositions individuelles sur 20 ans et prépare actuellement des expositions au Mesa Contemporary Arts Museum et au Greenville Center for Creative Arts. Lauréate de plusieurs prix de l’Ohio Arts Council, elle a participé à diverses résidences artistiques aux États-Unis, en Inde et en Europe. Son travail est influencé par ses recherches et ses voyages dans des archives et sites industriels. Diplômée en arts visuels, elle explore la répétition et les motifs à travers la gravure et l’installation.

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Exposition : Tumult

Tumult de Melissa Haviland est une installation immersive où drapeaux et rouleaux sérigraphiés envahissent l’espace, débordant des murs jusqu’au sol. Inspirée par l’eau et ses significations historiques, cette œuvre utilise papier fait main, Tyvek et bâche bleue, explorant la mémoire, le colonialisme et l’industrialisation à travers un paysage imprimé en mouvement.

📆 9 au 12 octobre 2025

📍 Atelier Silex

Amber Robles-Gordon

Amber Robles-Gordon est une artiste interdisciplinaire et commissaire d’exposition reconnue pour ses installations publiques et ses œuvres en techniques mixtes. Titulaire d’un MBA et d’un MFA en peinture, elle expose depuis plus de quinze ans aux États-Unis, en Europe, en Asie, et dans les Caraïbes. Son art a été présenté dans des foires internationales et dans des institutions telles que la Smithsonian, le Phillips Collection, et le Corcoran Gallery. Engagée dans des résidences et commissions prestigieuses, elle milite activement pour la communauté artistique de Washington, DC. Co-fondatrice de collectifs artistiques, elle crée un art politique et spirituel nourri par les mémoires ancestrales.

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Exposition : Sacred Co-Evolution: Undoing the Echainment of Being(s)

Dans cette exposition, Amber Robles-Gordon déconstruit la hiérarchie occidentale du Grand Ordre de l’Être à travers des collages inspirés de la coévolution. Elle propose une cosmologie décoloniale, valorisant les peuples marginalisés et la spiritualité. Ses œuvres explorent la libération, la régénération et des relations interdépendantes, rompant avec les systèmes d’exploitation.

📆 9 au 12 octobre 2025

📍 Galerie R3

Pohanna Pyne Feinberg

Pohanna Pyne Feinberg est artiste et pédagogue établie à Tiohtià:ke–Mooniyaang–Montréal. Sa pratique artistique est actuellement axée sur la découpe de papier et l’expérimentation de méthodes de préservation du patrimoine culturel. Ses intérêts en recherche-création incluent les collaborations co-créatives, la marche comme force pédagogique, et la décolonisation des récits historiques en art. Ses projets ont reçu le soutien du CRSH (Conseil de recherche en sciences humaines), du FQRSC (Fonds de recherche du Québec – Société et culture), de l’ECQ (Entente Canada Québec du Collège Dawson) et du Conseil des arts de Montréal. Ses œuvres et ses textes ont été exposés et publiés au Canada et à l’étranger. Elle est titulaire d’une maîtrise en histoire de l’art et d’un doctorat en didactique des arts, tous deux obtenus à l’Université Concordia.

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Conférence : Revitalizing Intangible Cultural Heritage Through Botanical Inks

Pohanna Pyne Feinberg partagera des réflexions issues de son projet émergent de recherche-création portant sur la revitalisation des encres, teintures et pigments naturels dans l’art contemporain, en tant que méthode de restauration et de préservation du patrimoine culturel immatériel. En se référant à des théories telles que la « plantcestre » (Feghali), la terre comme pédagogie (Simpson), et les modes artistiques d’ancrage territorial, elle abordera la manière dont ces pratiques peuvent enrichir le processus créatif en activant la mémoire somatique, en révélant des relations réprimées avec le territoire et en favorisant un sentiment d’appartenance. Des perspectives critiques et décolonisantes des pratiques artistiques liées à la terre, telles que la cueillette réciproque (Gustafson), seront également explorées. Des anecdotes personnelles et des réflexions seront partagées à partir de sa récente résidence d’artiste au centre artistique SERDE à Aizpute, en Lettonie, où elle a fabriqué des encres à partir de plantes médicinales récoltées sur place, autrefois utilisées comme remèdes par ses ancêtres originaires de cette région.

📆 10 octobre 2025

📍 UQTR

Franck Calard

Franck Calard est un historien de l’art et artiste visuel yéniche français, établi au Canada. Doctorant à l’Université de Montréal, il se spécialise dans le vitrail religieux québécois (1855-1930). Son parcours interdisciplinaire intègre aussi la littérature, la pédagogie, les sciences des religions et la mémoire culturelle yéniche. Auteur de publications scientifiques et de catalogues d’exposition, il a enseigné l’histoire de l’art et collaboré à divers projets muséaux. Son travail articule recherche académique, création artistique et engagement communautaire autour des questions de patrimoine, d’identité et de transmission.

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Conférence : Processus de décolonialité par les archives comme matériau artistique : mémoire yéniche et communautés de voyageur·ses

Franck Calard propose une réflexion théorique et artistique sur les usages décoloniaux des archives en art contemporain, à partir d’une pratique autoethnographique ancrée dans la communauté yéniche. En mobilisant une méthodologie inductive, son approche vise à interroger les récits historiques dominants ainsi que les dispositifs de marginalisation, à travers des gestes de réappropriation et de reconfiguration des archives – visuelles, textuelles et sonores – principalement issues des fonds québécois. Par une activation sensible et subjective de ces matériaux, il cherche à rendre visibles des mémoires marginalisées et à produire des contre-récits incarnés. Ce travail s’appuie sur les apports théoriques de Marina Gržinić, Helios F. Garcés, Michel Foucault, Homi K. Bhabha, Anne Klein et Yvon Lemay. Ses œuvres Kehlen Jenisch Kehlen et La Biele et le gypsy peddler servent de fondement pour analyser l’archive comme matière esthétique, politique et identitaire, et pour explorer le potentiel critique de la mémoire affective dans une perspective décoloniale.

📆 11 octobre 2025

📍 UQTR

Liz Chaflin

Liz Chalfin est une artiste en estampe engagée dans des pratiques durables, inspirée par ses voyages et son intérêt pour l’environnement, la mémoire et les relations humaines. Ses œuvres figurent dans des collections prestigieuses, dont la New York Public Library et la Yale University Art Library. Fondatrice de Zea Mays Printmaking en 2000, elle promeut la gravure non toxique et soutient plus de 100 artistes avec des résidences et des formations. Elle donne des conférences sur la gravure écologique et a initié William Kentridge à des procédés plus sûrs en 2019.

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Démonstration : Creating a plant based screen printing ink

Dans le but de s’éloigner de l’utilisation d’encres à base d’acrylique, Zea Mays Printmaking a mené des recherches sur la création d’une encre de sérigraphie à base de plantes.  Cette démonstration couvrira comment fabriquer la base d’encre transparente à partir d’ingrédients de cuisine, puis comment ajouter de la couleur à la base à l’aide de colorants fabriqués à partir de matières végétales et de pigments de terre naturels non toxiques.  Liz partagera des exemples d’impressions et discutera de la résistance à la lumière et du stockage de l’encre.  Elle montrera à la fois comment fabriquer l’encre et imprimer avec celle-ci et donnera aux participants l’occasion de tirer une impression.

📆 12 octobre 2025

📍 UQTR

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